Das neue Album „Necessary Fictions“ von GoGo Penguin, dem erfolgreichen Trio aus Manchester, das seit seiner Gründung im Jahr 2012 inspirierend Jazz, klassische Musik und elektronische Einflüsse miteinander verbindet, erscheint am 20. Juni 2025 bei XXIM Records/Sony Music.
Das neue Album zeigt, wie Pianist Chris Illingworth, Bassist Nick Blacka und Schlagzeuger Jon Scott aktuell in sich gehen, um „das zu erreichen, was wir in diesem Moment als unsere wesentlichen, authentischen Qualitäten empfinden“, so Nick Blacka. Das führt beispielsweise zu verstärktem Einsatz modularer Synthesizer in ihren Sound.
GoGo Penguin, zu denen seit der Pandemie der Schlagzeuger Jon Scott gehört, luden erstmals einige Gastmusiker für ihr neues Albumprojekt dazu: das achtköpfige Streicherensemble Manchester Collective unter der Leitung der künstlerischen Direktorin und Geigerin Rakhi Singh sowie den Singer-Songwriter Daudi Matsiko.
„Necessary Fictions“ wurde so ein Album voller ambitionierter neuer Entwicklungen – von einer Band, die vollkommen im Reinen mit sich selbst ist: selbstbewusst genug, um sich auf Zusammenarbeit einzulassen, gespannt darauf, wohin die Reise als Nächstes geht, und voller Lust, dabei auch Spaß zu haben. „Mir ist sehr bewusst aufgefallen, wie oft ich im Studio beim Aufnehmen gelächelt habe“, sagt Illingworth, „und ich lächle jetzt gerade, wenn ich nur daran denke. Ich hoffe, diese Energie überträgt sich auf die Menschen.“
Der Titel des Albums stammt aus dem Buch „The Middle Passage – From Misery to Meaning in Midlife“ des Psychoanalytikers James Hollis, das, wie Nick sagt, „sehr jungsche Sachen über das Schatten-Ich und verborgene Persona präsentiert. Man fängt an zu denken, ‚Moment mal, da ist ein authentisches Ich, tief drinnen irgendwo!‘“. „Musikalisch“, ergänzt er, „war es der gleiche Prozess, die gleiche Reise, einige der Dinge abzulegen, an die wir uns gewöhnt hatten und die uns zurückhielten.“
Der gesamte Veränderungsprozess ihrer musikalischen Entwicklung wird von einem Track auf „Necessary Fictions“ zusammengefasst, der bezeichnenderweise den Titel „What We Are and What We Are Meant to Be“ trägt. „Es ist wirklich einfach, wirklich melodisch“, erklärt Nick. „Es ist kein Show-off, wie ‚Hey, schaut mal, was für Skills wir haben und wie großartig wir sind!‘ Es gibt nicht einmal Improvisation darin. Bassmäßig hat es einfach einen Bass-Synthesizer wie ein Dance Track. Ein Teil von mir denkt immer noch: ‚Was werden die Leute denken?‘ Dann gibt es einen anderen Teil, der einfach denkt: ‚Was solls, die können denken, was sie wollen! Das ist das, was wir gerade machen wollen, und es fühlt sich authentisch an.‘“
GoGo Penguin hatten schon immer einen erzählerischen, filmischen Ansatz in ihrer Musik – weit entfernt von simplen Strophe-Refrain-Strukturen, inspiriert von Debussys „Préludes“ bis hin zu Underworlds „Pearl’s Girl“. Auf „Necessary Fictions“ nimmt diese Klang-Erzählkunst nun deutlich größere Dimensionen an – mit spürbar mehr Raffinesse.
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Dana and Alden – „Speedo“
Dana und Alden McWayne wussten schon ihr ganzes Leben lang, dass sie zusammen in einer Band spielen wollten. Nachdem sie sich bei Jazz-Jams in ihrer Heimatstadt Eugene, Oregon, die Zähne ausgebissen hatten, gründeten die beiden ein Duo, das einfach ihre Vornamen trug, und nahmen 2021 eine EP mit dem Titel „Brothers“ auf. Auf den Alben „Quiet Music For Young People“ (2023) und „Coyote, You’re My Star“ (2024) etablierten Dana und Alden schnell einen eklektischen, genre-agnostischen Sound, der sich aus ihrer vielseitigen musikalischen Erziehung speist – aufbauend auf Danas Saxofon und Aldens Schlagzeug, verwurzelt im Jazz, aber mit Einflüssen aus Indie, Pop, Rap, Funk, so ziemlich allem. Schon bald wurde Concord Jazz auf sie aufmerksam und sie begannen mit den Vorbereitungen für „Speedo“, ihr neuestes und bisher vollständigstes Album.
„Speedo“ ist der Höhepunkt von turbulenten Jahren, in denen der Aufstieg des Duos zu gleichen Teilen von der Mundpropaganda auf Tourneen und der Online-Begeisterung durch einen unwahrscheinlichen TikTok-Erfolg angetrieben wurde. Damals, als „Quiet Music“ auf den Markt kam, waren Dana und Alden genauso überrascht wie alle anderen, dass „Let’s Go to Trader Joe’s“ und „Dragonfly“ viral gingen. Sogar in den eher wildwestlichen Ecken von TikTok stach Dana und Aldens eigenwilliger Sound zwischen all dem Major-Label-Pop hervor – als ob sie ungewollt mit Trojan Horsing verrückten psychedelischen Jazz ins Mainstream-Bewusstsein bringen würden. „Es gab einen Haufen Fußballvideos aus Mexiko mit ‚Dragonfly‘“, erinnert sich Alden und spricht darüber, wie surreal es war zu sehen, wie Menschen aus der ganzen Welt, mit ganz unterschiedlichen demografischen Merkmalen, sich mit ihrem Song identifizieren. „Ich denke, wir machen Musik, die aus der Reihe tanzt, aber die Macht des Internets umarmt.“
„Man traut dem jungen Publikum nicht genug zu“, fügt Dana schnell hinzu. „Wir sind alle mit samplebasierter Musik aufgewachsen, was den Leuten große Ohren beschert. Ich glaube auch, dass die Leute zwei Jahrzehnte polierter, quantisierter, komprimierter, glänzender Musik satthaben und Lust auf etwas haben, das wirklich menschlich und ein wenig chaotisch ist.“
Der Eklektizismus von Dana und Alden rührt zum Teil daher, dass sie mit der Streaming-Ära aufgewachsen sind, aber auch von einer forschenden Erziehung in der freien Gegenkultur von Eugene. Sie plünderten die öffentliche Bibliothek nach Bob-Dylan- und Talking-Heads-CDs, während Grateful-Dead-Tribute-Bands auf dem Bauernmarkt aufspielten. Die Liebe ihres Vaters zum Jazz sickerte zu ihnen durch und brachte sie in die lokale Szene, wo ältere Musiker sie unter ihre Fittiche nahmen; bei Familientreffen mütterlicherseits spielten ein paar irische Verwandte traditionellen Folk. „Es gibt diese Energie, dass man in Eugene sein kann, wer immer man sein will“, erklärt Alden. „Was auch immer wir am Ende machen, es ist immer ein bisschen anders und seltsam“, fährt Dana fort.
Obwohl „Retro“ bei Dana und Alden nie das Ziel sein würde, war Dana tatsächlich tief in die Sounds der 1960er- und 1970er-Jahre eingetaucht. Er und Megarbane begeisterten sich für italienische Filmkomponisten, Alden und Megarbane für New Wave. Aus Jams, die nur mit Saxofon, Schlagzeug und Megarbane an der Gitarre begannen, wurde „Speedo“, ein schneller, abenteuerlicher Prozess. Die Brüder bezeichnen Megarbane als „Schweizer Taschenmesser“ eines Musikers und verweisen auf die Indie-Stilistiken, den Funk des Nahen Ostens und die trägen Synthesizer-Texturen des Albums. Megarbanes einzige Regel war es, mit Dringlichkeit und ohne Wertschätzung zu arbeiten, nie innezuhalten, um Entscheidungen zu hinterfragen oder die Tracks zu sehr zu verfeinern. „Er sagt, dass er ‚gefährlich arbeitet‘“,lacht Alden.
Auf „Speedo“ mutiert Dana und Aldens bereits umfangreiche Palette weiter. „Lisbon In Rain“ leitet die Dinge früh ein und fängt die schlendernde, introspektive Stimmung ihrer Reise ein, wobei Danas Saxofon und Megarbanes Gitarre den Track wie einen Spaziergang durch die Stadt ohne bestimmtes Ziel durchziehen. „Melange“ ist gebratene Psychedelia, nachdem die Sonne wieder herausgekommen ist; „Don’t Run Away“ ist ein wehmütiger Synthie-Indie-Track, der davon handelt, dass wir uns der Liebe verschließen, bevor ein euphorisches Disco-Outro zweite Chancen andeutet. „Es gibt ein kindliches Element auf dem Album, bei dem wir wirklich mit vielen neuen Sounds experimentieren“, versichern die Brüder.
„Wir sind immer auf der Suche nach etwas, das wir noch nicht gehört haben“, sagen Dana und Alden. „Klänge, die man nicht kennt und von denen man nicht weiß, ob sie irgendjemandem sonst gefallen werden – aber man mag sie.“
Veröffentlichung: 27. Juni digital, 29. August LP
Tourdaten (Deutschland)
10. Juli 2025 – Köln, Artheater
16. Juli 2025 – Frankfurt, Zoom Bar
24. Juli 2025 – Hamburg, Hebebühne
25. Juli 2025 – Berlin, Kantine am Berghain
26. Juli 2025 – Heidelberg, Metropolink
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Ambre Ciel – „still, there is the sea“
Ambre Ciel ist eine Komponistin, Geigerin, Pianistin und Sängerin aus Montreal, Kanada, die verträumte, weitläufige und geräumige Popmusik macht, die von zeitgenössischen klassischen Künstlern wie Agnes Obel, Patrick Watson, Sufjan Stevens und Thom Yorke beeinflusst ist. Aber auch die impressionistische Welt von Debussy und amerikanischen Minimalisten wie Philip Glass und Steve Reich sowie die „Musik, die atmet“ von Künstlern wie Gyða Valtýsdóttir, JFDR oder die gemeinsame Arbeit von Jónsi und Alex Somers.
Ambre, die sowohl in ihrer Muttersprache Französisch als auch in Englisch singt, stammt aus einer Familie von Sängern und Künstlern. „Ich habe mit sechs Jahren angefangen, Geige zu lernen, und später mit Pedaleffekten und Looping-Melodien experimentiert.“ Es folgte ein Studium mit den Schwerpunkten Komposition und Aufnahme. „In dieser Zeit begann ich, mich intensiver mit dem Komponieren und Songwriting zu beschäftigen – sowohl mit der Welt der Klänge an sich als auch mit Songs, die hauptsächlich aus Geige und Stimme bestehen. In dieser Zeit kehrte ich auch zu meinem ‚ersten‘ Instrument, dem Klavier, zurück, was mir mehr harmonische Möglichkeiten eröffnete.“
Für Ambre stellt ihr Debütalbum „still, there is the sea“ einen Anfang dar, einen ersten und, wie sie sagt, unvollkommenen Versuch, diese andere Welt zu erschaffen, die in ihrem Kopf lebte. Sie hat ein wunderschönes, raffiniertes „Pop-Album“ geschaffen, das viel Raum für Streicherarrangements und andere akustische Instrumente sowie ihre eigene schöne Stimme lässt. „Auf einer persönlichen Ebene war ich auf der Suche nach Stille. Ich war gerade erst in eine ruhige Wohnung in Montreal gezogen und zum ersten Mal hatte ich Zeit und Raum, die Stille zu hören und zu erschaffen, allein zu sein und in der ungreifbaren Welt der Möglichkeiten zu leben.“
Der rätselhafte Titel des Albums, „still, there is the sea“, kam Ambre, als sie erkannte, dass Wasser ein unterbewusstes, aber immer wiederkehrendes Thema in Melodien und Texten des Albums ist: „,eau miroir‘ bezieht sich darauf, dass das Wasser eine Art Spiegel sein kann, ,cycle‘ verkörpert eine zyklische, immerwährende Bewegung, ‚atlantis‘ bezieht sich auf diese nach innen gerichtete Suche und Distanzierung von der Welt, ,sometimes‘ hat Klänge von Regen und Sturm und bezieht sich auf einen Sturm, der in den Gedanken eines Menschen stattfindet. Das Wasserelement kann sehr dünn und zerbrechlich sein, aber es ist immer in Bewegung und kann einer größeren und massiven Strömung ähneln, die sich ausdehnt, und ich wollte mich mit dieser Flüssigkeit zwischen Instrumental und Song bewegen und war daran interessiert, Wege zu finden, etwas zu schaffen, das sich trotzdem zusammenhängend anfühlt. Es spiegelt auch diese ganze Jahreszeit der Einsamkeit und Stille wider, wie für mich das Erschaffen von Musik den Zugang zu einer Unterwelt darstellt, die dem Reich der Träume näher ist, die tief, surreal, reich und auch sehr erdend sein kann.“
Die Lieder und Kompositionen auf „still, there is the sea“ sollen auch eine Möglichkeit bieten, mit den Geschehnissen in der Welt fertig zu werden, eine Flucht vor den Schrecken des Krieges und des Klimawandels. Ein Versuch, Schönheit zu schaffen und hoffentlich eine Flucht zu bieten und sich mit der Welt auf eine Weise auseinanderzusetzen, die sinnvoll und authentisch ist. Musik ist geheimnisvoll und kraftvoll. Man weiß nicht immer, wie man sich fühlt, und wenn man dann am Klavier improvisiert, findet eine Übertragung statt und die Undurchsichtigkeit der eigenen Emotionen schlägt sich in einer Musik nieder, die emotional komplex und von Natur aus konstruktiv sein kann. Eine Eigenschaft, die den Chef des Labels Gondwana Records, Matthew Halsall, ansprach, dessen eigene Musik dem Hörer ähnliche Fluchtmöglichkeiten bietet, und in der Tat fühlte sich Ambre, die durch die Musik von Hania Rani auf das Label aufmerksam wurde, dort wie zu Hause. „Gondwana hat eine eigene, unverwechselbare Identität, die Künstler haben ihre eigenen eklektischen Einflüsse und ich denke, so entsteht originelle Arbeit. Als ich die anderen Künstler des Labels entdeckte, spürte ich eine Resonanz mit vielen musikalischen Einflüssen, die ich wiedererkannte, und ich hatte das Gefühl, dass ich viel Raum haben würde, um als Künstlerin zu wachsen und mich zu entwickeln.“
Pietro Amato, Mitglied des Bell Orchestre und The Luyas und Hornist bei Patrick Watson und Arcade Fire, bot als Koproduzent Unterstützung und Erfahrung (und ein zusätzliches Paar Ohren), und Owen Pallett (Final Fantasy, Arcade Fire) half bei den Orchesterarrangements, die Ambre für das FAME’S Skopje Studio Orchestra unter der Leitung von Sasho Tatarchevski schrieb. Und hochsensible Musiker wie der Perkussionist Stefan Schneider (Bell Orchestre, The Luyas), der Klarinettist Guillaume Bourque und ein Streichtrio aus Marilou Lepage, Sebastian Gonzalez Mora und Julien Siino brachten alle ihre einzigartigen Stimmen in die Platte ein.
Dies ist also „still, there is the sea“, das Debütalbum der kanadischen Komponistin und Sängerin Ambre Ciel, zugleich verträumt, weitläufig, in sich geschlossen, zerbrechlich, geheimnisvoll, aber auch offen und ehrlich, und wir freuen uns, dieses Geschenk mit der Welt zu teilen, und laden Sie ein, diese wunderbare Künstlerin auf den ersten Schritten ihrer künstlerischen Reise zu begleiten.
Tourdaten
14. Oktober 2025 – Köln, Stadtgarten (supporting Svaneborg Kardyb)
15. Oktober 2025 – Berlin, Emmauskirche (supporting Svaneborg Kardyb)
16. Oktober 2025 – Dresden, Tonne (supporting Svaneborg Kardyb)
04. April 2026 – Hamburg, Elbphilharmonie
Ambre Ciel folgen: Website
beats international
Das 2002 gegründete Unternehmen beats international wurde von Birgit Peter und Sven-Erik Stephan gegründet. Mittlerweile hat sich beats international zu einer gefragten PR-Agentur für Musik entwickelt und ist bekannt für Glaubwürdigkeit und Authentizität. Weitere Infos gibt es hier.
